黑人戏剧自如年代起有很大的发展，主题不仅涉及种族歧视和争取民权等问题，也包括黑人的历史、文化和生活方式。勒华.琼斯(1934- )在他的《盟洗室》(1963)、《荷兰人》(1964)、《洗礼》(1964)和《贩奴船》(1969)等剧中都反映了黑人受压迫的处境，并号召黑人起来斗争。60年代末，他改名为伊马木.阿米里.巴拉卡，开始专为黑人群众写作。E．布林斯(1935-)的《电子黑人及其他》(1968)显示了黑人的自豪感和对种族压迫的愤怒。他自1967年开始写一组有关黑人贫困生活的戏剧，通过反复出现的人物探讨黑人社会的境况。较温和的剧作家隆纳.艾尔德第三、道格拉斯.特纳.华德、洛雷因.汉斯(1930-1965)和艾德里安娜.肯尼迪都对黑人戏剧作出了贡献。但是，进入70年代后，由于美国国会通过了保障黑人权利的“民权法案”，取消了种族隔离制度，黑人就业和生活有了某种程度的保障，黑人运动陷入低潮，黑人戏剧也大都从抗议性的主题转为家庭琐事的描述。

    先锋派戏剧自印年代中期起盛行一时，这种戏大都舍弃人物、故事情节、布景、戏剧表演等传统，演员有时还与观众打成一片。当时出现的“生活剧院”、“街头剧院”、“游击队剧院”等先锋派艺术团体纷纷走上社会运动的前列。它们的成员强烈反对政府投入越战，并以嬉皮士或公社式生活来对抗金钱至上的美国社会，有的甚至在演出时赤身露体，以体现冲破社会对个人的层层制约。越战结束后，先锋派将视线由广大社会转移到剧场本身，进行各种创新实验。删年代涌现出来的3位青年剧作家罗伯特.威尔逊(1944-)、里查.弗尔曼和李.布列尔引入瞩目，被评论家称为意象派，因为他们在创作中，不以语言作为戏剧结构的主宰，而代之以流动图像，靠抽象的真实来揭示生活哲理。仅有的一些语言也不具备传递信息的功能，而只是被当做一种声音或图案效果来处理。剧本中的文字只是些日常套话或电影电视中的陈词滥调，支离破碎，互不连贯，甚至是拼字游戏。

    罗伯特.威尔逊所编导的剧作《西班牙王》(1969)、《弗洛伊德的生平时代》(1969)、《聋人一瞥》(1970)、《斯大林的生平时代》(1973)、《一封致维多利亚女王的信》(1974)与《沙滩上的爱因斯坦》(1976)都在欧美轰动一时，每出戏都没有故事情节或人物的塑造，节奏也特别馒，有的戏演出时间长达12小时。演出过程中还配有电子音乐、新颖舞蹈以及作为剧中某些片段的“主众”的灯光。但是这种戏剧并非荒诞得毫无哲理涵义，有的西方评论家赞许威尔逊是阿尔比以后的最重要的一位美国戏剧家。

    在舞台艺术方面的著名导演有A．霍普金斯(1897-1950)、G．麦克林捷克(1893-1961)、H．克勒曼(1901-1980)、L．斯特技斯伯格(1901-1982)、E．卡赞(1909- )、A．施奈德尔(1917- )、T．曼(1924- )、J．派普和J．昆泰罗(1924- )等人。著名表演艺术家有布斯世家、巴里莫尔世家.E.福莱斯特(1806-1872)、C．古什曼(1816-1876)、J．欧文斯(1823-1886)、真．巴雷特(1838—1891)、A．朗特(1893-1977)、L．芳丹(1877-1983)、H．海斯(1900— )、K．科奈尔(1898-1974)、T．班克海德(1903—1968)、O．韦尔斯(1915-1985)和K．赫本等人。舞美方面有R.E.琼斯(1887-1954)、L．西蒙森(1888-1967)、N．B．盖第斯(1893-1958)和J．梅尔齐纳(1901-1976)，他们对美国戏剧的发展作出了卓越的贡献。

    自70年代末起，西方评论家过去把百老汇(“真实”的美国戏剧)、外百老汇(实验剧)、外外百老汇(怪异)和地区剧院(不重要)区分开来的文化象征，已经显得不够正确了。外百老汇与其说是实验，毋宁说是探索；外外百老汇健康而丰富多彩；地区剧院越来越起着重要的作用。

    美国公众的文化情趣往往随着社会思潮而相应转变。他们在60年代对一些宣传鼓动的戏甚感兴趣，70年代后则对一些单纯说教的戏失去兴趣，进入80年代更要求剧作家如实反映各阶层人士的想法和作为，而不要以剧中人物作为剧作家本人意见的跳板施加给观众。他们愿意看过戏后通过自己的思考作出各自的判断，美国严肃的剧作家正在朗这个方向努力。

著名剧院及组织

华盛顿中心舞台剧场

    1961年建于华盛顿。是现代剧场中较早采用观众席从四面围绕舞台的剧场，影响广泛。剧场设计师是海瑞·魏斯。剧场的中心舞台长10．97米，宽9．14米，舞台平面低于前排观众席位0．15米，舞台台板均为活板。大坡度的观众席环绕着舞台。由于观众席有4个方向，大大缩近了观众与演员的距离。

林肯表演艺术中心

    纽约市著名的文化艺术中心。1966年建成。全部建筑由大都会歌剧院、纽约州立剧场、爱乐音乐厅、维维恩.彼欧蒙特剧场、演出艺术图书博物馆、朱利亚德学院及露天舞台等组成，是世界上规模和影响较大的文化艺术中心之一。大都会歌剧院是艺术中心中最重要的演出场所，规模庞大，观众席设有5层包厢，共容观众3788人。它是目前世界上设备最完善、声响效果最佳的剧院之一。维维恩.彼欧蒙特剧场是专用的话剧剧场，它与演出艺术图书博物馆同在一幢建筑内。纽约州立剧场是专门演出轻歌剧及芭蕾舞剧的剧场。

普罗文斯顿剧社

    1915年由一些志同道合的艺术家和作家在马萨诸塞州普罗文斯顿组成的一个非商业性的戏剧团体。它旨在打破当时操纵在纽约百老汇几个资本家手中的商业化组织戏剧辛迪加对戏剧的垄断，而给美国剧作家提供一个自由表达自己思想的机会。剧社最初在避暑别墅的阳台上演剧。1916年把一处码头仓库改为可容200名观众的码头剧院，首演了E．奥尼尔的《东航加的夫》，接着陆续上演他的其他许多独幕剧，从而使奥尼尔走上了剧作家的道路。1917年，该剧社移到纽约格林威治村。此剧社主要发起人是小说家和戏剧家G．K．库克和S．格拉斯佩尔夫妇。他们坚持上演艺术性较强的严肃戏剧，因而吸引了一大批作家和艺术家同他们合作。其中最重要的是B．奥尼尔、R．埃德蒙特.琼斯和K．麦克高温3人。他们自1923-1929年在剧社中被称为“三执政”。奥尼尔的《天边外》、《安娜.克里斯蒂》、《琼斯皇帝》等都曾由此剧社演出。剧社于1922年因内部分歧解散后，1923年重组并改名为实验剧院，仍由“三执政”指导，使它更趋向于职业化。1925年，剧社内部再次分裂，又进行改组。由于演出费用不断上涨和工会问题而使该剧社陷入困境。勉强维持到1929年而告解散。普罗文斯顿剧社和华盛顿广场剧社是美国在20世纪前10年中期到30年代兴起的小剧场运动当中的最重要的两个剧团，在促进美国严肃戏剧的发展上起过作用。

同仁剧院

    1919年在纽约成立的实行预约订票制的戏剧团体。创建者为美国剧作家劳伦斯.兰纳、导演菲利浦.穆勒和舞台设计家L．西蒙森等。宗旨是上演一般商业化剧场不愿上演的具有较高艺术水平的戏剧作品。同仁剧院继1919年4月19日首演西班牙剧作家贝纳文特.伊.马丁内斯的社会讽刺喜剧《利害关系》失败后，以演爱尔兰作家约翰.欧文的自然主义戏剧《约翰.费格逊》获得成功，到1920年已招有3万名预约订票者。1925年，该院已成为拥有朗特和芳丹、杜德莱.狄格斯、海伦.韦斯特莱等10名著名演员的一流剧院，并在第52街有了自己设计的剧场。20—30年代是剧院在艺术上的鼎盛时期，上演剧目多是欧美名家的作品。进入30年代以来，剧院的上演剧目转向音乐剧。1931年上演了由考夫曼和莫里.赖斯金德作词的《我歌唱你》；1935年首演了《波基和佩斯》；1945年演出了《俄克拉荷马》与根据《利里欧姆》改编的《狂欢》。40年代和50年代，把注意力转向广播剧和电视剧。

百老汇
    
    百老汇是纽约曼哈顿区一条大街的名称，其中段一直是美国商业性戏剧娱乐中心，因而百老汇这一词汇已成为美国戏剧活动的同义语。自19世纪中叶起，百老汇剧院逐渐增多而使这条大街灯火辉煌，获得了“伟大的白色大道”之称。20世纪初，百老汇剧院约有20多家，1925年百老汇的剧院曾多达80家，由于其他娱乐形式的竞争至1980年只剩下40家，在1927—1928年度的演出季节，百老汇上演的剧目多达280出，但在70年代已降为50出左右。百老汇上演各种样式的戏剧，主要以豪华壮观、有歌有舞、场面宏大的音乐剧招徕观众。这种音乐歌舞剧已成为美国特有的剧种和百老汇的命脉。美国剧联于1946年以美国著名女演员兼导演安托尼特.佩雷的名字设立了托尼奖，相当于电影界的奥斯卡奖，每年颁发19项给百老汇戏剧，有最佳戏剧奖、最佳导演奖、最佳男女演员奖、最佳男女配角奖、最佳音乐剧本奖、最佳音乐剧导演奖、最佳音乐剧总诺奖、最佳音乐剧歌词奖、最佳音乐剧舞蹈编导奖、最佳音乐剧男女演员奖、最佳舞美设计奖、最佳灯光设计奖、最佳音乐剧男女配角奖、最佳重演剧目奖和特别奖。当前，此奖在美国剧院和演出人联盟以及美国剧联的领导下，由12位剧评家和学者组成的提名委员会提名，最后由戏剧艺术家组织的600多名成员投票表决得出，获奖者只领取金质奖章，无奖金。

    外百老汇是指纽约商业性戏剧中心之外的戏剧活动，多半由一些剧团在第41街至第56街的剧院或租用的旧厅堂和地下室演出。它早在20世纪初就曾以先锋派姿态出现，主要特征是以较低成本进行戏剧实验，并为百老汇不加赏识的戏剧工作者提供演出机会。两座早期知名的外百老汇剧院都成立于纽约格林威治村。其一是1914年成立的华盛顿广场剧院，演出一些为商业性剧院忽视而具有艺术价值的戏剧，后于1919年演变成同仁剧院，在提高美国戏剧的水平方面起了很大作用；其二是普罗文斯顿剧社，由华盛顿广场剧院的一些成员于1915年在马萨诸塞州普罗文斯顿建立，旨在“给美国剧作家提供一个自由表达自己思想的机会”，1916年移至格林威治村，一直活跃了十几年，尤以首先演出E．奥尼尔的剧作而闻名。30年代经济大萧条时期，外百老汇曾是上演工人戏剧和具有左翼政治思想的剧作的场所，其中最知名的剧团是加．哥里利克的集体剧院。第二次世界大战后，外百老汇不仅上演新剧目，也复演百老汇演出失败的剧目，而且勇于在导、表演和演出风格上进行大胆探索，从而形成一个声势浩大的外百老汇运动。60年代，外百老汇每年约上演80多个剧目，包括古典剧、严肃剧、喜剧、实验剧和歌舞剧等各种流派的戏剧作品。但是外百老汇在60年代后也渐趋商业化，演出费用不断上涨。一些年轻剧作家便在格林威治村的一些咖啡馆、酒吧、顶楼或教堂以极低成本演出更加新颖的实验剧。这种趋势发展迅速，到1972年已有30多个剧组成立了一个外百老汇联合会，从而又出现了一个外外百老汇运动。外外百老汇的主要创建人是G．西诺和E．斯图尔特。西诺自1958年起把他的咖啡馆提供给诗人、音乐家、演员等艺术家，使他们能把自己的创作呈现在顾客面前。西诺因此而被誉为“外外百老汇之父”。E．斯图尔特所开设的拉妈妈咖啡馆，从1962年起便不断上演新戏，因此她被誉扩‘外外百老汇之母”。到70年代中期，外外百老汇已有78个主要剧组，每年约演出630余场节目。

    百老汇自60年代中期起因演出成本增高，票价上涨，外百老汇和外外百老汇以及地区剧院和大学剧院逐渐打破了以往百老汇对戏剧演出的垄断地位。百老汇的演出商为了牟利，也常把别处已上演成功的剧目搬来上演，渐渐成为美国戏剧的一个展览窗口，展示美国各地出现的成功剧目。

拉妈妈实验戏剧俱乐部

    20世纪印年代后，纽约原与百老汇商业戏剧相对抗的外百老汇戏剧也渐趋商业化，演出费用不断上涨，于是一些新剧作家便另辟路径，在格林威治村的咖啡馆、酒吧、顶楼、地下室或教堂以更低的成本演出各种更为新颖的实验剧，由此产生了外外百老汇运动。这项运动的主要创始入之一是爱伦.斯图尔特。她是一位黑人妇女，原是服装设计师，1962年同剧作家保罗.福斯特合作，在曼哈顿东区第九街租了一处地下室，内设25个座位，上演新剧作家的戏剧。次年，她在第二大道开设了一家拉妈妈咖啡馆，内设74个座位，1965年上演的莫瑞.希斯格尔的《打字员》和1966年上演的L．威尔逊的《爱尔德里奇的白霜》获得公众的好评。19历年，剧作家场姆.奥霍根率领拉妈妈咖啡馆演员赴欧洲轮回演出，取得很大的成功，被誉为“新美国戏剧”，由此而获得国际声誉。斯图尔特在这段期间发现和培养了一大批新剧作家，1970年，拉妈妈咖啡馆改名为拉妈妈实验戏剧俱乐部，移至东区第四街一座新整修的大楼，内设两座剧场，由此成为一个世界性组织。美国《绅士》杂志把爱伦.斯图尔特列为世界最重要的百名妇女之一，她也被称为“外外百老汇之母”。爱伦.斯因尔特的实验戏剧俱乐部至今仍是美国一些希望在创作、导表演、舞美设计方面试行创新的戏剧艺术家向往的圣地。

著名舞蹈团体

美国芭营舞剧院

    美国最重要的芭蕾演出团体之一。1939年由R．普赖曾特和L．蔡斯创建，并由前者任团长；1945-1980年由蔡斯和0．史密斯共同接任团长。1980年后由M．巴里什尼科夫任团长。它不仅介绍古典芭蕾名作和上演各国优秀编导的作品，还鼓励年轻而有才华的编导进行创作，因此剧目广泛多样，兼容并蓄，包括各个时代、各种风格的作品。剧院设有附属的舞蹈学校。

纽约市芭蕾舞团

    美国著名舞蹈表演团体之一。前身是美国芭蕾舞团。1934年L．柯尔斯坦聘请G．巴兰钦赴美建立美国芭蕾舞学校之后，在此基础上诞生了剧团。1946年巴兰钦和柯斯坦创立“芭蕾学会”。由于一系列成功的演出，于1948年应邀迁入纽约市音乐和戏剧中心，改名为纽约市芭蕾舞团。1949年J．罗宾斯任该团艺术指导。1950年开始，多次到欧洲巡回演出，并两度访问苏联，获得国际声脊三1964年迁入林肯表演艺术中心纽约州立剧院。1983年，P．马丁斯和罗宾斯接替巴兰钦的工作，担任首席芭蕾编导。多年来，剧团在巴兰钦的主持下，把俄罗斯芭蕾传统和当代的美国舞蹈风格有机地融合在一起，创立了自己的风格。剧目题材和形式广泛多样，从古典芭蕾到具有美国风格的作品，从情绪舞蹈到大型舞剧都有，其中无情节芭蕾最为突出。在巴兰钦的作品中，舞蹈与音乐融为一体。他与现代作曲家I．F．斯特拉文斯基合作，为本团编导了许多作品，最著名的有《阿贡》等。该团保留剧目大部分是巴兰钦的作品，如《火鸟》(1949＞、《浪子历程》(1954)、《堂吉河德》(1965)等。该剧团的主要著名演员有M．托尔奇夫、M．海顿、S．法雷尔等。

　

美国舞蹈类别

迪斯科

    20世纪70年代风靡世界的一种群众自娱性舞蹈，是美国黑人创造的爵士舞之一。从70年代兴起，最初只流行在美国小城镇的黑人聚居区和拉丁美洲下层社会中，并不为人所注意，甚至被上层社会所不齿。但没多久，它就迅速流传，直至风靡全世界。迪斯科音乐强调以夸张的强弱力度的交替反复诱发内在的节奏冲动来支配舞步，比传统的华尔兹、探戈等，更为自由，突出个性。舞蹈动作可随着音乐节奏即兴发挥。

美国民间舞蹈

    在美国，民间舞蹈一词所指的范围比某些国家要广泛得多，传统舞蹈、仪式舞蹈、社交舞蹈、舞厅舞蹈中的许多舞蹈都可以称作民间舞蹈、往往很难分清它们之间的界限，这和它的舞蹈文化构成有关。美国民间舞蹈主要分3部分；印第安人的舞蹈；欧洲移民及其后裔的舞蹈；黑人的舞蹈。印第安人的舞蹈包括社交性的、仪式性的、和劳动生活紧密联系的、用于治疗疾病的等等，几乎都是逆时针方向进行的圆圈舞，其中往往都渗透着对“超自然力”的祟拜。印第安人大多没有文字，小心地保存传统的舞蹈和歌曲具有重要意义，故很少和外来舞蹈相融合。欧洲的移民——英国人、爱尔兰人、法国人、德国人、西班牙人等在涌向北美大陆的同时，带来了各自传统的民间舞蹈、宫廷舞蹈、舞厅舞蹈，他们结合当地新的生活条件把这些舞蹈加以改造，创造出具有美国特点的新舞蹈形式。其中最流行的有方舞，它与英国乡村舞和法国卡德里尔舞有关，变体很多；圆舞，显然是在成对跳的华尔兹、波尔卡、绍蒂谢等舞蹈的基础上演变出来的沿舞厅周围旋转行进的舞蹈；集体游戏舞蹈通常是边舞边唱，旁观者也以歌声和拍手相和，舞蹈动作一般比较简单、生动有趣，且可以随时变换舞伴。美国黑人对美国舞蹈的发展和美国舞蹈风格的形成起着重要作用。从17世纪超，800万非洲黑人被当作奴隶运进美国，他们带来了非洲黑人舞蹈的激情和切分节奏(即把欧洲音乐以重拍故在第l拍的传统改变为把重拍放在第2拍或弱拍上)，黑人舞蹈和白人舞蹈融合交流，创造新的舞蹈形式，例如，踢踏舞和爵士舞就是把爱尔兰木底鞋舞的节奏改变成切分节奏，并一反爱尔兰人那种身躯僵直、面无表情的跳法，加上了身体和手臂的动作，形成了全新的舞种。黑人奴隶模仿和嘲讽那些趾高气扬的白人奴隶主，创造了步态舞。其他如狐步舞、布鲁斯和查尔斯顿等也成为流行一时的新舞蹈。其中许多舞蹈后来成为受人喜爱的现代舞厅舞蹈，不仅遍及美国，也风靡欧洲大陆。

踢踏舞

    一种用脚击打地面的节奏性舞蹈。源于爱尔兰和兰开夏的木鞋舞。它的基本技巧是用脚跟、脚掌、半脚掌、脚尖击打地面发出响声，以丰富而复杂的节奏变化取悦观众。表演时需要在舞鞋的前掌部分加装金属片，使击地的响声清脆悦耳。踢踏舞于20世纪初在美国的杂耍剧场中风行，并出现了不少专门从事踢踏舞表演的职业演员，其中最有名的有B．鲁宾逊、E．鲍威尔、F．阿斯泰尔、P．德雷伯、R．博格和A．米勒等。这种舞在20世纪70年代曾再度流行，风靡一时。

方舞

    由4对舞伴站成四方形跳的舞蹈形式，尤指美国方舞，它已成为美国民间舞蹈文化的一个很有特色的部分。方舞起源于英国乡村舞的两种派生物：一是源于英国轮舞、节奏鲜明、复杂的花样舞蹈——肯塔基跑步舞；一是路易十五时代十分流行的、四方型的法国对舞——科蒂荣。方舞通常包括一连串的“花样”，每个“花样”中的舞蹈队形都是对称的，而舞步则比较简单，“花样”的顺序是事先安排好的，由一位领舞者(可以是舞路者之一，也可以是不参加舞蹈的另一个人)用呼喊声来指挥“花样”的及时转换，他能够即景生情地呼喊出押韵的词句(有时还使用方言)来激励舞者，使气氛活跃起来，有时舞者也呼喊出与他相互应和的词句。美国方舞在发展过程中吸收了英格兰、苏格兰、法国及其他欧洲国家以及墨西哥舞蹈或民间游戏的因素，形成种类繁多的变体。

　

20世纪的美国戏剧

    20世纪初，美国剧作家在注意描绘当代生活真实的同时，也开始注意挖掘人物的心理因素和动机。尽管商业性戏剧演出仍然控制剧院，但一些在19世纪已成名的剧作家仍朗着接近生活现实的健康方向迈进，如D．贝拉斯科在《黄金西部的姑娘》(1905)和《兰乔的玫瑰》(1906)中描绘了加利福尼亚州的地方色彩，奥古斯图斯·托玛斯在《迷人的时刻》(1907)和《男人的想法》(1911)两剧中探讨了家庭关系和种族对抗等问题；C．菲奇在《向上爬的人》(1901)和《真理》(1906)两出社会喜剧中反映了时髦的风俗习尚。

    为了促进美国戏剧的改革和发展，哈佛大学教授乔治.皮尔斯.贝克(1866-1935)率先在大学里创办“47号戏剧创作工作室”，先后培养出曼德华.谢尔顿、菲利普、巴里、E．奥尼尔、S．霍华德等一大批戏剧人材。随后，戏剧教育家布伦达尔.马修斯(1852-1929)、弗雷德里克.亨利.柯克(1877—1944)、托玛斯.史蒂文斯和A．H．奎因也都为建立大学的戏剧课程做出了各自的贡献。在推动美国戏剧发展方面另有3人起过重要作用，一位是诗人兼哈佛大学教授威廉.沃恩.穆迪(1869—1910)，他写了《大分水岭》(1906)和《靠信仰治病的人》(1909)两出问题剧，前者被视为第一部现代美国戏剧。另一位是诗人伯西.麦凯(1875.1956)，他根据纳撒尼尔.霍桑(1804。1864)的小说改编的《稻草人》(1908)预示了以民间传说为主题的剧作的诞生。第三位是诗人E．B．谢尔登(1886-1946)，他在《黑人》(1909)一剧中把种族歧视同政治斗争结合在一起，在《大亨》(1911)中反映了工人群众的反剥削斗争。

    1915年以后，莫斯科艺术剧院的访美演出、马克斯、M．莱因哈特的导演艺术、A．阿庇亚和E．G．克雷格的舞美设计，对美国戏剧产生了重要影响，出现了R．E．琼斯(1887—1954)、N，B．盖地斯(1893-1958)和L．西蒙森(1888-1967)等一批美国戏剧艺术家。另外，由于人们鉴赏力的提高，各地纷纷成立艺术团体，上演契诃夫、梅特林克、易卜生、萧伯纳等世界知名剧作家的优秀剧目和青年剧作家的新颖作品，从而形成一场小剧场运动。其中最重要的团体是普罗温斯顿剧社和华盛顿广场剧社。

    第一次世界大战以后，美国戏剧开始多样化，最杰出的剧作家是E．奥尼尔。他在形式和内容上都做了大胆的探索和试验，运用现实主义、象征主义、表现主义、神秘主义和意识流等不同手法创作出《琼斯皇帝》(1920)、《安娜。克里斯蒂》(1921)、《毛猿》(1922)、《上帝的儿女都有翅膀》(1924)、《榆树下的欲望》(1924)、《勃朗大神》(1926)、《马可百万》(1928)和《奇异的插曲》(1928)等名剧。奥尼尔对美国社会的合理性产生怀疑，在剧中深刻地探讨了人际关系、人神之间的关系以及现代生活中存在的悲剧。

    此外，安德森写了讽刺战争的戏《荣誉值何价?》(1924)和家庭喜剧《星期六的儿女》(1927)。S。霍华德在《他们知道需要什么》(1924)和《银索》(1926)两剧中严肃探讨了家庭成员之间的复杂关系。G．x．凯利(1887-1974)在笑剧《执火炬的人》(1922)里调侃了业余戏剧的演出，他的《炫耀者》(1924)和《克雷的妻子》(1925)分别嘲讽了推销业和贪得无厌的中产阶级妇女。P．巴里(1896-1949)写了幻想剧《白翼》(1926)、圣经剧《约翰》(1929)、社会喜剧《你和我＞(1925)和《巴黎的约束＞(1929)。贝尔曼由《第二个人》(1927)起开始写一系列风俗喜剧。R．舍伍德(1896-1955)在《罗马的路》(1927)一剧中批评了战争的非理性。P．格林(1894- )以民间戏剧手法在《在阿伯拉罕的怀抱里》(1926)里叙述一青年在北卡罗林纳州松林里的悲壮奋斗史。陶乐赛和杜布斯.海沃德的《波吉》(1927)与马克.康纳里(1890- )的《绿色草原》(1920)均为有关黑人的民间剧，乔治.S.考夫曼(1889-1962)与马克.康纳里合作的喜剧《马背上的乞丐》(1924)以梦幻手法体现了艺术家在当代商业社会中的处境。

    20年代还有两位重要的剧作家：E．赖斯(1892—1967)和J．劳森(1894-1977)。赖斯的表现主义剧本《加数器》(1923)揭示资本主义制度把人变成机器，成为机器的牺牲品；《街景》(1928)通过一桩奸杀案，把矛头直指资本主义私有制。J．劳森是美国早期的左翼作家，他的剧本《罗杰.布卢默》(1923)写一名青年的艰苦生活，《列队歌》(1925)反映工人的罢工斗争，他为30年代美国工人戏剧的蓬勃发展开辟了道路。

    30年代奥尼尔写出著名的现代心理悲剧《哀悼》(1931)和怀旧的喜剧《啊，荒原!》(1933)，并于1936年荣获诺贝尔文学奖，为美国戏剧赢得了国际声誉。安德森以《伊丽莎白女王》(1930)、《你们的参众两院》(1933)、《苏格兰的玛丽》(1930)、《米奥复仇记》(1935)和《高山》(1937)等剧赢得了诗剧作家的声誉。巴里写出风俗喜剧《动物界》(1931)、《愉快的季节》(1934)和《宇宙旅馆》(1930)。R．舍伍德的《重聚在维也纳》(1931)标志着他所擅长的雅致的喜剧的结束，此后他写的《石化林》(1934)象征美国生活已经变成一片荒原，《愚人作乐》(1936)抨击了军火商和战争贩子的罪行，并预示第二次世界大战即将来临，《林肯在伊利诺斯州》(1936)则维护了民主信仰。名作家约翰.斯坦贝克(1902-1968)的剧作《鼠与人》(1937)和杰克.柯克兰德(1902—1969)根据厄斯金.卡德威尔(1903)的小说《烟草路》(1933)改编的同名剧均反映了美国农业工人的困苦遭遇。

    美国工人戏剧在30年代经济大萧条时期蓬勃发展，1932年曾在纽约召开了一次全国性的工人戏剧斯巴达克斯大会，以建立工人戏剧联盟。各地纷纷成立工人剧团，其中以联合剧院和团体剧院最为突出。但是，当时影响最广、规模最大的组织是1935年根据罗斯福总统“新政”救济计划建立起来的联邦剧院。它负责管理40个州的剧院，雇佣了成千上万的失业艺术家，组织上演古典剧、现代剧、歌舞剧和儿童剧，其中最著名的是E．赖斯的纽约剧组所开创的活报剧，以简洁而敏捷的素描手法演出一些由时事新闻改编成的讽刺短剧。这些戏大都批评了政府的行政措施不当，后来美国国会认为联邦剧院的演出是一种共产主义的威胁，非美活动委员会于1939年通过法案把它扼杀了。

    在这一时期新的剧作家当中，L．海尔曼(1905-1984)以她的社会剧《小狐狸》(1939)和反法西斯戏剧《守望莱茵河》(1941)成为一位富有正义感的剧作家。S．金斯利(1906- )是一位现实主义作家，在长死巷》(1935)一剧中真实地描绘了城市的贫困和犯罪行为。T．魏尔德(1897-1975)则是一位老派的乐观主义者，他的剧本具有哲理但不深奥，没有曲折情节和重大冲突，写的都是普通老百姓的平凡生活，代表作有《小城风光》(1938)、《九死一生》(1942)和《媒人》(1954)。他喜用东方古典戏剧和欧洲神秘剧的技巧，给美国戏剧增添了一种新颖的创作手法。影响了不少后辈剧作家。

    第二次世界大战期间，斯坦贝克的《月落》(1942)和欧文.肖(1913-1984)的《埋葬死者》(1936)是两出反法西斯战争的名剧。第二次世界大战后，尽管麦卡锡主义猖撅一时，文坛沉寂，仍然涌现出T．威廉斯(1911—1983)、A．米勒(1915)和W．英奇(1913-1973)3位剧作家。威廉斯以《玻璃动物园》(1944)、《欲望号街车》(1947)和《热铁皮屋顶上的猫》(1955)三剧赢得了国际声誉。米勒以《推销员之死》(1944)、《炼狱》(1953)和《桥头眺望》(1957)等剧也获得国际声誉。英奇擅长描写美国中西部中下层社会人士的生活，《回来吧!小希巴》(1950)、《野餐》(1953)和《公共汽车站》(1955)使他在50年代名噪一时。

    50年代中期后，奥尼尔的遗作《直到夜晚的漫长一天》(1956)、《诗人的气质》(1957)、《休依》(1962)和《更庄严的府邸》(1962)相继发表，再次证实他的才能。

    自60年代起，美国国内反越战运动、民权运动、黑人运动、女权运动风起云涌，青年普遍对传统的价值观念产生怀疑而采取抗拒或蔑视的态度。美国剧坛也随着社会思潮起了新的变化，主要表现在外百老汇和外外百老汇的兴旺发展、地区剧院和大学剧院的涌现以及一批年轻剧作家的倔起等方面。舞台上，除去传统的严肃剧之外，一些反传统的流派如荒诞派和先锋派等盛极一时。特别是外百老汇和外外百老汇以及地区剧院和大学剧院的发展，打破了过去

19世纪的美国戏剧

    19世纪的戏剧19世纪美国剧作家创作的戏剧大部分是作为商品提供给著名演员和新兴的剧院的。公众要看的是娱乐性节目和心中喜爱的演员的表演，而对严肃的戏剧毫无兴趣，因此不少剧作未能流传下来。

    W．邓勒普是美国第一个职业剧作家兼剧院经理，一生创作和改编了53部剧本，代表作有《父亲》(1788)、《安德烈》(1798)、《美国佬的年表》(1812)、《哥伦比亚的光荣》(1803)和《尼亚加拉之行》(1828)等。他撰写的《美国戏剧史》(1832)对研究早期美国戏剧亦颇有参考价值，因此他被誉为美国戏剧之父。

    19世纪初期，浪漫色彩浓厚而词藻华丽的诗剧在美国特别流行。J．H．佩因(1791-1852)的悲剧《布鲁特斯》(1818)和喜剧《情人的誓言》(1809)、J．A．斯通(1800-1834)的《米塔默拉》(1828)等长期受到欢迎。

    19世纪中叶最成功的一出讽刺社会风尚的戏是安娜·科拉.莫华特(1819-1870)的《时髦》(1845)，后来迪昂.布西考尔特(1820—1890)在《黑白泥血儿》(1859)一剧中谴责了蓄奴制。19世纪中叶，马克思的《共产党宣言》、达尔文的《物种起源》和赫伯特.斯宾塞论述“适者生存”的《生物学原理》相继问世，再加上南北战争的爆发，促使美国剧作家开始放弃浪漫观点而以现实的眼光看待人生。被评论家誉为“美国现实主义之父”的小说家、评论家和剧作家W．D．豪威尔斯(!837-1920)开始从道德角度真实地描写社会和生活。他写的36部剧本，标志着美国现实主义戏剧的兴起。J．A．益思(1839-1901)是当时最接近易卜生风格的美国剧作家，提出“戏剧为真实而艺术”的理论，代表作有《玛格莱特.弗莱明》(1890)、《疏远》(1888)和《岸边田亩》(1893)等。

    南北战争后，美国扩展了版图，科学和工业迅速发展，人们为生存和成功而展开激烈的竞争，财阀和投机分子应运而生，社会上贫富不均和道德沦丧等现象日益严重，不少剧作家开始关注社会问题，从而出现了社会剧。

    19世纪后半叶盛行情节剧，其中以D．布西考尔特、奥古斯丁.戴莱(1838。1899)和D．贝拉斯科(1853”1931)的剧作最能吸引观众。布西考尔特被认为是自邓勒普以后第一位真正美国商业性的职业剧作家，著有《纽约穷人》(1857)、《杰西.布朗》(1858)和《贝尔.拉玛》(1874)等剧，还协助演员兼剧作家尤瑟夫.杰弗逊(1829-1905)将华盛顿.欧文(1783-1959)的小说《瑞普.凡.温克尔》(1865)改编成同名剧。戴莱首先是一位演出人，剧作多半是改编或翻译过来的，诸如《离婚》(1871)、《地平线》(1871)、《煤气灯下》(1867)和《大亨》(1875)等。贝拉斯科也主要以演出入和导演享名，一生创作和改编了许多情节剧。他强调舞台上应呈现绝对真实的场景；与人合作的名作有《马里兰之心》(1875)和《蝴蝶夫人》(1900)，后一出戏即歌剧《蝴蝶夫人》的原本。此外，查尔斯.霍伊特(1859-1900)在19世纪末所写笑剧深受欢迎，剧情大都轻松地触及当时的风俗习尚。

    19世纪末美国戏剧开始步人成熟阶段，剧作家注意使美国戏剧摆脱欧洲古典戏剧模式的影响以实现民族化。在这方面做出突出贡献的是奥古斯图斯.托马斯(1857-1934)和C．菲奇(1865-1909)。美国戏剧自从有了托马斯和菲奇，逐渐同社会潮流协调一致，如实反映错综复杂的社会现象。

呵呵~~我又长见识啦

长见识。

增长知识。

谢谢分享,不错,

我还是第一次这么系统的了解美国戏剧的

我的爱与你同在!!

没兴趣

谢谢介绍!

多谢介绍哦，辛苦了……